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Richard Malinovki est un flic moderne, comme on en voit dans PJ ou Central nuit. Une femme chirurgien, une petite fille de 10 ans, il vit dans une baraque où tout semble sortir de "question maison" ou d'une pub pour du jus d'orange. Seulement voilà, Emilie, sa fille, se fait violée et tuée. Le coupable est rapidement identifié, puis écroué.
Un peu plus tard, Malinovski reçoit une lettre du jugé coupable. Peu à peu, il se laisse convaincre que cet homme n'est peut être pas le meurtier. Et se lance dans une contre-enquête à contre-courant.

Jean Dujardin tient ici son premier rôle principal dans un polar, après son second rôle dans le convoyeur. Dans le registre dramatique, il tient plutôt bien la route. S'il n'évite pas le surjeu par moment, sa prestation est globalement convaincante. Mais le film manque de rythme. Un peu lent, pas toujours très subtil, le scénario paraît à la fois chercher la facilité, pour ensuite tenter le twist final. Rebondissement assez agréable d'ailleurs. Franck Mancuso joue parfois assez bien avec les clichés, et confirme ou infirme des pistes grossières.

Le résultat est un film agréable mais un peu bancal, avec ses petits défauts, son manque de subtilité parfois. Des dialogues un peu lourds, téléphonés, mais qui donnent au final un film qui se regarde avec plaisir. Noir, dur, sombre, mais qui manque du côté glauque vu dans le Serpent par exemple.

Contre-enquête est un film pour ceux qui aiment les polars sans beaucoup d'originalité, mais qui jouent bien avec les codes, voir des flics partout pendant une heure et demi, la descente aux enfers d'un père et Laurent Lucas, toujours aussi naturellement flippant.

Au milieu des années 60, Effie, Deena et Lorrell, trois jeunes filles blacks des rêves plein la tête, forment les Dreamettes. De concours de chansons en tremplins, elles tentent de se faire remarquer. La chance fini par leur sourire sous les traits du beau Curtis Taylor Jr, un vendeur de Cadillac, manager à ses heures perdues. L'homme a de bonnes idées et conduira le groupe sur les chemins de la gloire. Mais le périple aura son lot de casses, de fiertés blessées, de trahisons et de déceptions. Le groupe deviendra Deena Jones et les Dreamettes et la beauté supplantera le talent. Dreamgirls retrace l'histoire de la musique noire des années 70 à travers des personnages forts. Et presque sans le vouloir, critique l'industrie du disque d'aujourd'hui.

Annoncé comme un évènement, Dreamgirls pourrait décevoir ceux qui en attendaient trop. Cette comédie musicale pêche justement sur cet aspect. Loin de l'originalité survolté de Moulin Rouge, ou de la classe décalée de Chicago, Dreamgirls trébuche sur les parties chantées (hors scène) qui s'invitent avec maladresse dans les dialogues. L'effet est parfois réussi, mais souvent artificiel. Aussi, Bill Condon se contente globalement d'exprimer en chansons les sentiments des acteurs dans des scènes de studio ou de spectacles. Plus qu'une comédie musicale, le film est surtout un biopic imaginaire d'un groupe inspiré des Supremes.

Il serait intéressant de savoir si le script a été modifié en cours de route, ou si le réalisateur avait véritablement cette image du film. Car le véritable intérêt de Dreamgirls se nomme Hudson, Jennifer Hudson. Sacrée aux Oscars dans la catégorie meilleur second rôle féminin, la jeune chanteuse révélée par l'émission American Idol (comme quoi, parfois, ils trouvent la perle rare) est tout bonnement stupéfiante dans son premier rôle. Elle incarne une Effie White à la voix et au caractère forts, qui lutte pour se faire une place là où la beauté et la finesse règne en maître. Un parcours difficile, un personnage auquel on s'attache, une très belle performance. Pourtant, Jennifer Hudson est en dernière position au générique, ne figure pas sur l'affiche, et n'est à aucun moment mise en valeur. A l'image de son personnage dans le film, l'actrice fait tout, mais n'apparaît nulle part.
Et de la même façon, Beyonce ne fait pas grand chose, mais figure sur le devant de la scène (et de l'affiche), son personnage, transparent et sans saveur, est un second rôle transformé en vedette grâce à sa seule beauté. Il est d'ailleurs plaisant d'entendre Curtis (Jamie Foxx, très bien) lui dire qu'elle a une voix banale et sans intérêt, quand on sait que c'est vraiment la chanteuse qui interprète ses morceaux dans le film. Dreamgirls paraît alors se mordre la queue involontairement, quand les acteurs s'auto-critiquent et dénoncent leur industrie du disque, qui vend de la soupe pour faire du fric. On est dans les années 70, peut être ne se sentent-ils pas concernés, mais le parallèle est là.

Dreamgirls est une belle histoire de sucess story parfois injuste, pleines de rebondissements et de retournements, où les meilleurs acteurs blacks de notre époque se retrouvent réunis (Danny Glover, Eddie Murphy dans un rôle inédit pour lui, et Jamie Foxx), pour ceux qui aiment les films qui dansent, chantent, groovent, le look des seventies disco, et la chouquette afro.

Edith Piaf, icône inoubliable de la chanson française, petite dame à l'immense talent, était une artiste à la vie mouvementée. Son histoire fut une succession de victoires et de coups du sorts, d'échecs et de réussites arrachées avec douleur. Piaf a vécu intensément, plus que son corps ne pouvait lui permettre. Par ses excès et ses idéaux, la petite dame en noir aurait pu être une star du rock. Cette chanteuse élevée par des prostituées et un père acrobate incarne donc le dévouement à l'art et à l'amour. Un petit bout de femme qui avait son caractère, pas une diva, mais presque.

Edith Piaf méritait un film fort, aussi passionné et tourmenté qu'elle. Olivier Dahan l'a fait. La Môme est à la hauteur de son artiste. Si elle n'était pas très grande par la taille, Piaf l'était par le talent. Et Dahan ne s'est pas facilité la tâche. Il aurait pu livrer un biopic académique tel Truman Capote ou Aviator. Mais le réalisateur a tenté beaucoup plus. Avec un récit en apparence destructuré, il s'attarde sur des moments, des périodes, des faits marquants de la vie de Piaf, son enfance, ses débuts, ses échecs, ses deuils, ses points faibles, la maladie, l'amour.
Enfant fragile, Piaf deviendra une jeune femme qui cache ses faiblesses sous une gouaillerie vulgaire mais touchante. La femme sera toujours sincère, sans faux-semblants, entière et passionnée. Mais le corps, toujours fragile, ne lui pardonnera pas les excès de drogues et d'alcool.
Et puis, à côté de cette femme sincère, on découvre la machine Piaf, ses trucs appris par RaymondA, la petite robe noir, les chansons écrites par d'autres, mais qui semblait sortir de son coeur. La Piaf comédienne, qui s'appropriait les textes comme personne.
Olivier Dahan s'attarde beaucoup sur les tourments de l'artiste, et lui offre une mise en scène éblouissante, des plans superbes, et des transitions simples, mais surprenantes d'inventivité. Piaf est partout. Quand elle ne chante pas, les airs de ses chansons, toujours choisies avec justesse, survolent certaines scènes. La foule, l'hymne à l'amour, Padam, les plus grands succès de la chanteuse embarquent le spectateur et ne le lachent qu'à la toute fin, sur une note finale qui donne le frisson.

Incarner un personnage célèbre, et doté d'une forte personnalité, est un challenge pour les acteurs. Et dans les réussites, on assiste à une transformation du comédien, qui se fond dans le personnage jusqu' à disparaître. Philip Seymour Hoffman dans Truman Capote, Will Smith dans Ali, Joaquin Phoenix dans Walk the line, entre autres, ont réussi la transition. Marion Cotillard savait à qui elle s'attaquait... et a tout bonnement disparu. Il ne reste rien de la fille sexy de Taxi, ou de la Tina Lombardi d' un long dimanche de fiancailles. Le rôle de sa vie sûrement, la permorfance est remarquable.
Elle est soutenu par une galerie de seconds rôles impressionantes. De Gérard Depardieu à Sylvie Testud en passant par Pascal Greggory, de grands acteurs dans de petits rôles, qui forment une trame solide pour épauler l'interprétation de Cotillard.

Un petit aparté. Dans la salle, on était un samedi matin, beaucoup de personnes âgées. Derrière moi, il y avait un couple, qui devait avoir entre 70 et 80 ans. Monsieur a fini par s'endormir, et commençait même à ronfler. Madame le réveillait à coups de coudes, et de "héééé" très discrets. Elle, par contre, n'a pas fermé l'oeil. La preuve, j'entendais parfois un drôle de petit écho lorsque les classiques de Piaf résonnait. La petite mamie dérrière moi chantait. J'ai trouvé ça extrèmement touchant.

La Môme est un film pour tous, de 7 à 117 ans. Pour ceux qui aiment Piaf, et pour ceux qui n'aiment pas.

1984. Allemagne de l'Est. L'agent Wiesler est un officier dévoué de la Stasi. Spécialiste des interrogatoires et des écoutes, il se porte volontaire pour espionner un couple d'artistes en vogue. Lui, écrivain, semble très attaché à la cause communiste. Elle, actrice, joue dans les pièces de son mari, mais doute de son talent. Wiesler, le casque vissé sur les oreilles, va s'insinuer dans la vie de ce couple, et découvrir l'art et la culture qui font leur vie. De simple travail, cette surveillance va petit à petit devenir beaucoup plus.

La vie des autres est un film superbe qui mérite qu'on s'y intéresse. Déjà, de très bonnes critiques et un bouche à oreille flatteur sont en train de rattraper l'abscence totale de promo. Et les ovations sont méritées. La vie des autres est un long métrage où la subtilité du discours se conjugue à une histoire simple mais racontée avec talent. Un film sur l'art, la culture, et surtout leur influence sur l'homme et ses actions. Avec finesse et sans coup férir, le film se construit avec cohérence, sans jamais en faire trop. Il met en scène tout ce qu'on sait de l'action de la Stasi dans les années 80, mais du point de vue d'hommes et de femmes qui ont contribué à son action, ou l'ont subie.
Le réalisateur se céde jamais à la facilité. Pas de raccourcis, et surtout pas de fausse fin comme on en voit souvent. Florian Henckel von Donnersmarck tient son film jusqu'au bout, lui donnant encore plus de poids et de force.
Dans le gris et la morosité de ces années 80 en Europe de l'Est, il réussit à extirper le peu de culture et d'espoir qui a subsisté, mais n'oublie pas ce qu'était cette époque. La vie des autres est aussi un portrait de cette Allemagne disparue, et des abus de pouvoirs qui la sclérosait.
Dans le rôle de l'agent Wiesler, un acteur allemand aux faux airs de Kevin Spacey, Ulrich Mühe. Il livre un prestation toute en retenue, terriblement prenante.

La vie des autres est un film à voir absolument, pour ceux qui aiment les histoires simples qui rappellent une époque troublée, mais surtout les films sur l'art et son pouvoir, les hymnes à la culture et à la liberté de pensée.

A neuf ans, le jeune Jacquou se retrouve orphelin. Son père, ancien colonel bonapartiste devenu fermier, est condamné après un faux procès et meurt au bagne. Sa mère se laisse mourir de chagrin le jour même. Devant cette injustice, Jacquou ne voit qu'un seul coupable : le comte de Nansac. Il a juré à sa mère de venger son père. Et attendra d'être un homme pour mener la révolution des petites gens.

Jacquou le Croquant a deux particularités. La première est d'être réalisé par le complice de Mylène Farmer, accessoirement réalisateur de tous ces clips, Laurent Boutonnat. Aussi, qu'il l'ait voulu ou non, on retrouve dans son film des images et des personnages souvent vus dans l'imaginaire farmerien. Les garçons des rues défroqués, tantôt cruels, tantôt compatissants, les cimetières enneigés, les épouvantails, les courses dans les champs de blés, et bien sûr, l'époque. On s'attend presque à voir surgir l'égérie rousse époque Libertine. Ces références ont un certain charme pour les amateurs de l'univers, et sont également appréciables esthétiquement pour le novice.
La seconde particularité est sa construction très hollywoodienne. Bien que tourné en France, le film semble nourri d'influence anglosaxonne, tendance blockbuster, dans la maitrise du récit. Cela ressort dans le net défaut de Boutonnat à en faire trop. S'il réussit à maintenir l'équilibre dans certaines scènes très réussies, il frôle le ridicule dans d'autres. A vouloir jouer sur les émotions, comme dans toute bonne grosse production américaine, Boutonnat sombre parfois dans le pathos.
Et pourtant, il y a de bonnes idées dans ce Jacquou. La scène de danse au début du bal illustre bien le double désir de Laurent Boutonnat. Dans cette scène, la musique d'ambiance censée tendre l'atmosphère se mèle à celle des musiciens qui mènent la danse. On sent l'importance que le réalisateur a voulu donner à la musique, mais aussi son désir de ne pas réaliser un clip de plus.

Reste un casting impressionant. Si Gaspard Ulliel est un peu décevant, le jeune Léo Legrand (Jacquou enfant) est plus convaincant. Marie-Josée Croze s'aventure dans le film grand public et le fait bien. Jocelyn Quivrin en horrible comte de Nansac est beaucoup moins sexy que d'habitude, mais livre une prestation honnête. Reste Malik Zidi, que l'on ne voit jamais assez.

Jacquou le Croquant est un film qui se veut populaire et grand public. Un bon divertissement pour ceux qui aiment les costumes d'époque, les vengeances honnêtes, les héros courageux et les révoltes justifiées.